ジョン・コルトレーンが他界した後、いや彼の生前から「コルトレーン・ライク（コルトレーン風）」「コルトレーン・フォロワー」と呼ばれるサックス奏者が無数にいた。

それは、コルトレーンが圧倒的に格好良く、信じられないほど難解な音列を演奏していながらも、そのスタイルが論理的で分析と模倣が可能だったからだ（嵐のようにフリーキーな晩年の演奏は除く）。

Sonny Rollins - St. Thomas

しかし、今年の5月にソニー・ロリンズが逝去した後、人々は「彼は唯一無二の存在だった」「彼は即興演奏の達人だった」と称賛するものの、そこで終わっている。

思えば、彼の生前でさえ本格的な「ロリンズ派」のプレイヤーは存在しなかった。言い換えれば、ロリンズが作曲した楽曲は多くの人に演奏されたものの（今後も演奏され続けるだろう）、彼の演奏スタイルを模倣し、自分のものにしたプレイヤーは誰一人としていないと言える。強いて一人挙げるとすれば、ブランフォード・マルサリスかもしれないが。

ロリンズのプレイスタイルは、紛れもなくロリンズそのものであり、これからもそうあり続けるだろう。

偉大なる永久欠番「1」 王貞治

この話は、日本の名プロ野球選手にも例えられる。

バッターとしての王貞治は努力の人で、鍛錬の末に一本足打法を習得しホームランを増産した、記録に残る名打者だった。その打撃フォームや精神論を学ぶフォロワーは多い。そのことから、王のスタイルはジョン・コルトレーンのそれに似ている。

偉大なる永久欠番「3」 長嶋茂雄

対して、気ままに振る舞い絶大なる人気を獲得した長嶋茂雄のバッティングは、自由奔放なスタイルが特長だった。さらに、天覧試合でサヨナラホームランを打つ勝負強さがあり、我々の記憶に残るバッターであったことは言うまでもない。そういう点から、私は長嶋とロリンズに相似点を見出す。

ソニー・ロリンズとジョン・コルトレーンが唯一共演した《Tenor Madness》

おそらく、今後も「コルトレーン・フォロワー」は増え続け、彼のプレイスタイルは受け継がれるだろう。

翻ってロリンズの場合は、過去の録音が聴かれ、作曲された作品が演奏されても、彼の唯一無二のサックス・スタイルは、おそらく次の世代へと継承されることはないだろう。

だが、それでも良いのだ。繰り返すが、ロリンズは、ロリンズなのだから。

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ヴォーカリスト、シーラ・ジョーダン（1928-2025）のワークショップでは、マイルス・デイビスが作曲し、『クールの誕生』に収録された《Boplicity》を歌うそうだ。
確かに、あの曲のメロディには、ビバップ特有のリズム感と、マイルス特有の節回しがある。そのニュアンスを身につけることは、翻ってジャズという音楽の根幹に触れることになる。そのことに気づいたシーラの着眼点には感嘆するほかない。
マイルスのフレーズを歌うことによってジャズの語法を身につけ、ジャズを後世に引き継ごうとした彼女の試みの偉大さは言を待たない。

出典は忘れたが、ジャッキー・マクリーン(アルトサックス奏者、1931-2006)が子どもたちにジャズを教える記事を読んだことがある。
マクリーンは《Now’s The Time》の音源を流しながら言う。「それじゃあ、サックスのチャーリー・パーカーのソロを真似して歌ってみよう！」
子どもたちはキャッキャッと歓声を上げながらパーカーの真似をするが、パーカーのフレーズが早すぎて上手くいかない。

再びマクリーンは言う。「ちょっと難しかったね。それじゃあ、次のマイルス・デイビスのソロを真似してみようか」
まだデビューしたばかりのマイルスの簡単なフレーズを、子どもたちは一緒に歌う。
おそらく、マクリーンは子どもたちの歌を聴きながら、満足そうな笑顔を浮かべたに違いない。

マイルスは、トランペットを歌うように吹く人だった。
彼がフランク・シナトラの歌を好きだったことからも、それを感じる。
いつの時代でも、どのような編成でも、マイルスは自身のソロを吹く時、懐に歌心を忍ばせていた。
マイルスが逝去した後も彼の音楽が残り、そして彼の歌心は語り継がれるであろう。

マイルスを、歌おう。

参照：シーラ・ジョーダンのワークショップについて

Sheila Jordan/Jay Clayton 主催第一回ジャズヴォーカル・ワークショップ
in Up-State, N.Y. /2002. 2.20~2.24 美山夏蓉子

http://www.miyamavocalstudio.com/workshop.htm

and more...今回の企画のプレイリスト（全9曲・約1時間）

いつも隣にマイルスがいた。- YouTube Playlist

えー、次の曲には、思い出があるんです。

私がまだ大学のジャズ研の1回生やった頃、志度のイベントで《Oleo》を演ることになったんです。

ほんで、私がマイルス・デイビスのソロの1コーラス目を覚えて練習で吹いたら、部長から「マイルスのソロをパクらず、自分で考えたソロを吹いてみ。勉強なるで」って言われて。

ほじゃきんに、次の練習までにマイルスのソロの2コーラス目を覚えて吹いたんです。ほしたら部長が「すげえ！じぶんアドリブ吹けるやん！」って大絶賛してくれて。

部長はいつも偉そうにしとんのに、マイルスのソロの2コーラス目をちゃんと聴いてなかったんがバレバレやった、という。

というわけで、次の曲はそんな思い出がある、《Oleo》です。聴いてください。

（拍手。曲が始まる）

コロナ禍中の転職活動は難儀を極めた。

まず、マスクをつけてハローワークに行くところからスタートする。

転職先の面談も、職場に感染が広がったとかで何度も延期された。最長半年待ちという職場もあった。

やっとこぎつけた面談でも、マスクをつけて、アクリルのパーティション越しでの会話になる。

人事担当との意思疎通などハナから無理な話だ。

それでも何とか決まった転職先。

そこは行き詰まり感あふれる残念な職場。

せっかく採用されたのに、次第にゲンナリとした気持ちが強くなった。

冬から初夏にかけて、通勤のバスに揺られた。

気分転換のつもりで、マイルス・デイビスとギル・エヴァンスによるスタジオワーク集をiPod shuffleに入れて、車中で聴き続けた。

ギル・エヴァンスの精密なアレンジによって、キラキラと煌めくサウンドが立ち上がる。
その音宇宙を静かに泳ぐ、マイルスのトランペット。
ときに暖かく、ときにシャープなその音色を、イヤホンの向こうから拾い取る。
憂鬱な通勤時間にいつも私の心を立て直したのは、マイルスとギルによる静謐なコラボレーションだった。

アメリカに亡命したクルト・ワイルが作曲し、アルバム『Miles Ahead』に収録された《My Ship》。
ギルがアレンジした、ゆっくりとゆるやかに下降するイントロの旋律と、果てしなく切ないエンディングを聴きながら、流れる風景をそれとなく見る。

自分の人生、ここまで堕ちて、この先どこにたどり着くのか分からない。
気がつけば、私はこの曲に、いまだ不透明な自身の行く末を重ね合わせていた。

結局、その息苦しい職場には、半年間通って去ることになる。

その後、職業訓練を受け、コロナ禍も明けて、今の職場に出会うことができた。
濃霧の中を迷走した私の旅路も、ここにきて進路が開けてきたように思う。

再就職を助けてくれたハローワークの方角には、もう足を向けて寝られません。

先代はとても優しい方でしたが、私が途方もない粗相をしたときにはキツく叱って下さいました。誰に対しても平等で、許されないことには決して容赦をしない人でした。

すべての業務を引き継いだ後で、私はジャズ好きの先代から2枚のレコードを頂きました。マイルス・デイビスの『Miles Davis in Europe』と『Sketches of Spain』。添えられたメモには「店長、昇進祝いです」と書かれていました。

店長職に収まって調子に乗り、地に足がついていなかった私は、初めて「店長」と書かれたメモを読み、冷や水を浴びせられたかのように自分の厳しい立場と責任を自覚しました。

Miles Davis《Joshua》(1963)

ピンと一本の糸が張られたかのような緊張感に満ちた《Joshua》を聴きながら、これから始まる激務の日々を覚悟して気を引き締めた日のことを、昨日のことのように覚えています。

『Miles Davis in Europe』は顧みられることが比較的少ないアルバムです。しかし、地味なアルバムにも光る曲があるように、日々の業務の積み重ねの中にも多くの学びがある、という先代からのメッセージを、私はレコードという形で受け取りました。

マイルスをめぐる、いまでも忘れることができない思い出の一つです。

1960年代の「第2期黄金クインテット」を率いたマイルス・デイビスが目指したことは、このスタンダードの進行の「円環」を壊すことだった。メロディをシンプルにしてどこからでも吹けるようにし、モードを用いてコード感を浮遊させる。

残念ながら私はモード理論が苦手なので、詳細は語れない。しかし、劇的ともいえるリズム面の変化を一身に担った、トニー・ウィリアムズ（Tony Williams）の偉業については、いくらでも語りたくなる。

トニーの特徴的なリズムアプローチの真髄は、旧来の楽曲の構成から踏み出て、楽曲を「1つの大きな円」と捉えた点にある。その広大なスペースの中で、彼はソリストのフレーズの起伏に即座に反応し、ステージの背後からプレイヤーを強烈に焚き付け、果てしもなく自由に叩いた。

これまでの小さな円環を重ねるシステムを壊し、それでいて大きな円からは逸脱しないという、未知のスタイルを実現させるバランス感覚。換言すれば、曲全体を地続きの大きなうねりとして捉える大胆なアプローチ。彼はそれを最高の形で実体化してみせたのだ。

《Gingerbread Boy》でのトニーのプレイは、シンバルのレガートで定型のリズムを刻む場面よりも、思いもよらぬ角度から周囲を痛烈に挑発する姿の方が、私の心に強く残る。

ハードな一撃ゆえに、動画のエンディングではシンバル台を揺るがす彼の激烈なプレイは、驚愕を通り越して笑いたくなるほどに痛快だ。トニーをスカウトしたマイルスの慧眼は、いくら讃えられても少なすぎることはない。

私は、1992年の『Live Under The Sky』でトニーの生演奏を見てから、すっかり彼に入れ込んでしまった。今でも自由闊達な彼のビートを猛烈に欲する「熱」にうなされる時がある。

まだまだ彼の快進撃を見届けたかった。しかし「黄金クインテット」の中では、マイルスの次に彼がこの世を去った。

あまりにも悔やまれる、早すぎる死だった。

早朝。静かな内港から出航した小さな船が、穏やかな日が射す瀬戸内海の波しぶきを分けて航行し、夕日を背に港に戻る。

《In a Silent Way/It’s About Time》on Spotify

マイルスの《In a Silent Way/It’s About Time》を、私は写真の瀬戸内海のイメージで聴いている。摩訶不思議な空間を表現した静謐なイントロ。優雅に宇宙を回遊しているかのような、ふわりとしたサウンド。

たった2曲だけ収録されたアルバムの前半、《Shhh/Peaceful》から小さな音で聴き始めると、あっという間に時間が溶けてゆく。優れた作曲と演奏がもたらす音楽の深化によって、私の心は静かに虚空の域へと達する。

ただし、そのまま気持ちよく寝落ちすると、2曲目の中盤、《It’s About Time》で叩き起こされる羽目になるのだが。

『In a Silent Way』のアルバムジャケットは、マイルスの顔だ。マイルスのアルバムジャケットが「顔」のみであるとき、それは、彼をとりまく環境や、自身の音楽のカテゴライズに真っ向から立ち向かう「マイルスの音楽」を創ったという強い決意の表れだ。

このアルバムも、当時彼が完成を見届けたモード・ジャズ、自身の音楽に取り入れようと躍起になっていたロック、そしてフュージョンの源流となるエレクトリック・ミュージックの要素が絶妙の配分で統合されている。マイルスと演奏に参加したアーティスト、そしてプロデューサーのテオ・マテオの研ぎ澄まされたバランス感覚に、私は静かに、深く驚愕する。

しかし、オリジナルの演奏が完璧であるほど、困った事態が発生する。

たとえば、ある曲やアルバムが時代を超えて生き続けるためには、前提として多くのアーティストによって作品が演奏、またはカバーされなければならないと、私は考えている。

クラシックではバッハ、モーツァルト、ベートーヴェン、ジョン・ケージの作品がそれに該当する。ポップスではビートルズがそうだろう。

しかし、ジャズではオリジナルの「色」を尊重するあまり、本人の演奏を至上と捉えて、後世のアーティストによる楽曲の解体と再生、という大胆な試みを受け入れない傾向がある。これでは、せっかくのすばらしい楽曲が時代を超えることなく、当代限りで途絶えてしまう。

おそらく、私のような頑固な原曲・原盤至上主義者こそが、ミュージシャンの創造的な試みを阻害する元凶なのだ。特に、完璧主義のマイルスによって組み上げられた諸作に対して、後世のアーティストによるアレンジを拒む私の頑固さは、いくら批判されても仕方がない。

そのような私の穿った見方を霧散解消してくれたのが、マーク・ソスキンによる《In a Silent Way》だ。楽曲のモチーフを作曲したジョー・ザヴィヌルと同じ視点に立ち、ソスキンは1台のアコースティック・ピアノとベースで、牧歌的な佇まいの原曲の雰囲気を厳かに再現している。

私は、ソスキンによる秀逸なアレンジを、ひとりのリスナーとしてこっそりと、かつ最大限の敬意を持って讃えたい。彼の演奏は、原曲の底に潜むソリッドな本質までも余すことなく表現し、演奏している。初めて彼の演奏を聴いた時、お見事、参りましたと何度も膝を打ったことを、いまでもしっかりと覚えている。

その時は、テーブルの向かいにアメリカ人のミュージシャン、テナーサックス奏者とドラマーが座った。当時は面白いように英語の単位を落としていた私が、英会話など気が利いたことができるわけがない。いかんともし難い沈黙が続く。そこへ、私の隣に座ったジャズ研の後輩が、おずおずと「好きなミュージシャンは誰ですか？」と話しはじめ、ようやくトークが回りだした。

今でも鮮明に覚えているくだりがある。マイルスの話から、過去に彼のバンドに在籍していたリードベース奏者、フォーリーの話題になったときのことだ。お二人ともフォーリーがお気に入りだったらしく、「Yeah! Foley, he is killing!」（イエイ、フォーリー、奴は最高だ！）と顔を見合わせて笑っていた。ああ、ネイティブはこういうときに「Killing!」を使うのかと、私は深く感心した。うどんも美味しく、とても和やかな一夜だった。

そして、明るい笑顔が印象的だったあのときのドラマーが、後に遊泳中に事故死するとは、当時の私は知る由もなかった。

鈴木良雄 (b), 海野雅威 (p), セシル・モンロー (ds)《I Should Care》〜『For You』より

マイルスの死後に発表された作品の中で、最晩年の彼の姿をリアルに捉えたライブ拾集が『Live Around The World』だ。このアルバムの中で私がとりわけ好きな曲が《New Blues》である。

ブルースは悪魔の音楽だ。どの時代であれ、どのような環境であれ、人々はその魅惑の音楽によって地獄に案内される。その導師たるミュージシャンの中でも、マイルスのブルースは格段に甘美で、非情なまでに危険な香りがする。

Miles Davis《New Blues》

《New Blues》はかつてiTunesでライブ動画を購入した、私にとって「動くマイルス」の最たる曲だ。抱え込むようにトランペットを構え、ゆらりとステージを歩きながら余白たっぷりのプレイを決めるマイルス。後半にはフォーリーのベースが極上のブルース・フィーリングを撒き散らす。

気がつけば私は、マイルスの音楽から離れられないという術中にはまっている。そして、この映像を観るたびに、そこに「ブルース」という名の罠があるのに自ら進んで飛び込む、愚かな自分に心酔していることを自覚するのだ。

（校正：Gemini）

私は福岡と大阪の会場をはしごして、「Pat Metheny Group」（一発でメセニーのファンになった）、「The Marcus Miller Project featuring David Sanborn」（ひたすら踊った、笑）、そしてウォレス・ルーニーを擁した「V.S.O.P. Quintet Tribute to Miles」のステージに歓声を上げた。

なかでも、V.S.O.P. Quintetのトニー・ウィリアムスの熾烈なドラミングと、ふつふつとヒートアップする場内をさらに焚きつけるウェイン・ショーターの突き抜けるようなソプラノサックス、そしてアンコールの《Two Bass Hit》のパワフルなアンサンブルは今でも私の脳裏に強く焼き付いている。

イベントが開始される時に場内に流れたのは、マイルスの《Time After Time》。むせび泣くような、かつ聴き手の心にそっと寄り添うようなミュート・トランペットが心に沁みた。その選曲は、前年に逝去したマイルスへの、運営やアーティストたちの深いリスペクトの表明だったと思う。

今でも、マイルスの《Time After Time》を聴くたびに、ジャズに明け暮れた私の青春時代の原点となった、1992年の夏を思い出す。

マイルスを巡る私の物語は、この曲から始まる。

【はじめに】

2026年5月26日、マイルス・デイビスは100歳の誕生日を迎えました。

今日(5/26)から8日間にわたり、はてなブログ『ジャズ喫茶の夜』の番外編として、私のマイルス・デイビスの思い出を語りたいと思います。

シリーズタイトルは『いつも隣にマイルスがいた。』

少しの間ですが、お付き合いいただけると嬉しいです。

（校正：Gemini）

渡辺貞夫『BUT BEAUTIFUL』 (YouTube)

まずもって渡辺貞夫さんのサックスの音色を堪能するアルバムでした。ますますダークさを増したソリッドなサウンドは、円熟や練達を超えた音楽の幹の部分に到達しています。特に、最後のジョビンの曲は、ソロの尺八を聴いているような、精神の深淵を覗き見るような気持ちになりました。

さらに、貞夫さんの信頼が厚い、竹村一哲さんの堅実なドラミングが素晴らしいです。数年前に貞夫さんのライブに伺った際も、ときどき竹村さんの背に回り、ニコニコしながら彼の盤石のプレイを楽しんでおられました。そんな「全てを彼に任せたよ」という全幅の信頼感を、本作の随所から強く感じます。

93歳になられた今も全国をツアーして回る貞夫さん。そのバイタリティの奥底には、いまも満ち溢れんばかりの歌心があるのでしょう。アルバムを通じて、その瑞々しさを十二分に楽しんでほしいと思います。

プレイリスト：渡辺貞夫 - Brazilian Days

プレイリスト：渡辺貞夫 - Brazilian Days (YouTube Playlist)

アルバムのラスト、ジョビン作曲《Por Toda a Minha Vida》と、小野リサさんのアルバム『Sue Ann』 (2026) に彼が参加した3曲。それらをベースに、ブラジル音楽を愛する貞夫さんのプレイリストを組みました（約45分）。プレイリスト内の曲名表記がポルトガル語と英語（カタカナ表記）と日本語（邦題）が混ざり合って、なかなか大変なことになっています（笑）。

1. Felicidade (opening)

2. A Felicidade （ア・フェリシダーヂ：小野リサ・渡辺貞夫）

3. Bossa na Praia

4. Samba do Avião

5. O Grande Amor

6. Meditação

7. Chega de Saudade （想いあふれて：小野リサ・渡辺貞夫）

8. Manhã de Carnaval

9. Eu sei que vou te amar

10. Por Causa de Você （あなたのせいで：小野リサ・渡辺貞夫）

11. Carinhoso

12. Por Toda a Minha Vida（アルバム『BUT BEAUTIFUL』より）

プレイリスト：渡辺貞夫 - From Bebop to Pops

プレイリスト：渡辺貞夫 - From Bebop to Pops (YouTube Playlist)

もうひとつのプレイリストは、私が大好きな貞夫さんの作品集です（約1時間）。アップテンポの親しみやすいメロディを書き、楽しそうに演奏する。その姿もまた、彼の音楽の大きな魅力です。加えて、曲名やアルバムタイトルの「Life」という言葉のチョイスから、貞夫さんの生き生きとした生命観や人生観を感じます。

※ [ ]：作曲者名

1. Stella by Starlight [Victor Young]

2. Moose the Mooche [Charlie Parker]

3. ORANGE EXPRESS

4. SALVADOR

5. Life Is All Like That (For Snoopy & His Friends)

6. Here, There and Everywhere [John Lennon & Paul McCartney]

7. Peace [Horace Silver]

8. Wheel of Life

9. My Wonderful Life [富樫雅彦]

10. My Dear Life

11. 花は咲く [菅野よう子]

サックス奏者と作曲家のキャリアを通じて、ビバップ、ボサノヴァ、ビートルズ、バップのリバイバルを経てフュージョン、アフリカ音楽までリアルタイムで経験。さらに、バンドリーダーとしてリチャード・ボナなど当時の若手ミュージシャンを積極的に作品に登場させた先見性のあるアーティストは、日本では極めて稀だと言えます。今回アルバムを聴き直して、その思いを深くしました。

これは私見ですが、日本でのジャズの普及は今なお途上の域にあるものの、その先駆者として戦後から世界を舞台に活躍された渡辺貞夫さんと穐吉敏子さんのお二人は、文化勲章を授与されて然るべき存在だと思います。

これからも貞夫さんの音楽の旅が続くことを願ってやみません。

（校正：Gemini）

Spotifyの20周年を記念した企画「Spotify 20: Your Party of the Year(s)」の一環として、2018年から2026年にかけて私が繰り返し聴いてきたトラック、121曲のプレイリストが送られてきました。

リストを眺めてみたところ、David Sanbornはもう少し聴き込んでいる実感がありますし、再生回数では坂道グループ（乃木坂46、櫻坂46、日向坂46）の曲も多いはずですが、なぜか反映されていません（笑）。

それは別にしても、「私のリスニング史」と言って差し支えないくらいの、名刺代わりのプレイリストになっています。

トップ10曲のうち、5曲についてコメントを書きました。

(1) 《Scratch & Sniff》 Bela Fleck and the Fleckstones

エレクトリック・バスーン奏者、ポール・ハンソンのショーケースとなる好トラック。鋭いタンギングを得意とする楽器の特性を生かした切れ味抜群のファンク・チューンです。バスーン、スティールパンとバンジョーが共存できるアレンジの妙。ベラ・フレックのエモーショナルなソロが印象的です。

この曲を収録したプレイリスト：Paul Hanson Jazz Bassoon

(2) 《Walking Home Together》 Maceo Parker

リバース・ブラス・バンドのコール・アンド・レスポンスが格好良くて何度も聴き返しました。後半にソロを吹き続けるメシオの熱演も素晴らしいですね。ニューオリンズスタイルのブラスバンドとファンクとの相性の良さを堪能できます。

この曲を収録したプレイリスト：Maceo Parker plays standards

(4) 《Java》 Stanton Moore

スタントン・ムーアのアラン・トゥーサン・トリビュートアルバムより。ニコラス・ペイトンの陽性なトランペットが曲調にマッチしています。スタントン・ムーアのテキパキとしたドラミングも絶好調。原曲も聴いたのですが、私はこのトラックの方が好きですね。

(7) 《Manoir de mes rêves》 Gerry Mulligan

ジェリー・マリガンのアレンジによるジャンゴ・ラインハルトの「夢の城」。私が組んだプレイリスト「Gypsy Jazz Sax」の中でもお気に入りの一曲です。まだジャンゴの曲が広まったとはいえない時期に、このメロディの美しさをアレンジしたあたり、マリガンの先見性が光ります。彼自身のバリトンのサウンドも曲に似合っていますね。

この曲を収録したプレイリスト：Gypsy Jazz Sax

(8) 《SWEET SUE JUST YOU》 北村英治

これはネタバレをしたくないので、もう「聴いてみてください、面白いから！」というしかないですね。コンボの和気あいあいとした雰囲気が良いなぁと思います。飄々とスイングする北村英治さんのクラリネットのストレートな音色も最高です。

この曲を収録したプレイリスト：北村英治 Eiji Kitamura feat. Teddy Wilson

こんな感じで。改めてリストを見て、私がサックスを吹いていることから「管楽器の曲が多いなぁ」と思いますが、その点を差し引いてもよく出来たプレイリストですね。楽しんでいただければ幸いです。

Pas de Djeux（Vn:川又瑞代 Bs:阿部恭平）

当日のお目当てだった「Pas de Djeux」の演奏に大満足。バイオリンとコントラバスだけで1ステージ持つのだろうか……という期待と不安は、徹底した楽曲のアレンジと、ステージ慣れしたパフォーマンスによって鮮やかに覆されました。

クールに技を繰り出すコントラバスの阿部さんと、ピョンピョンと飛び跳ねながら観客を煽るバイオリンの川又さん。対照的なお二人のステージアクションがとても楽しかったです。

これほどアレンジが秀逸であれば、弦楽器同士となるストリングス・カルテットとの躍動的な共演もぜひ観てみたいですね。今後のお二人の活動が楽しみです。

東西ジプシージャズバンド

私が観た5月10日（2日目）では、いわゆる「弓族（バイオリン、コントラバス、チェロ）」の活躍が目覚ましい一日でした。特に、複数のバイオリニストによるアドリブの連続にダンスが加わった2回目のセッションは迫力満点。ヴォーカルやフルートの力演も相まって、この日のハイライトといえる華やかさがありました。

それゆえに、マカフェリ弾きがこれほど集まったイベントだからこそ、ギタリストたちにはもう少しハッスルしてほしかったな、という思いも残りました。やや小綺麗にまとまり、事前に決められたプログラムを淡々とこなす印象も感じられました（それ自体が高い技術を要することは百も承知なのですが、それでも……）。

その中でも、音色にとことんこだわった山本佳史さん（YAMAMOTO Yoshifumi TRIO）、オープニング・アクトで腹が据わったプレイを披露し、会場の心を掴んだHannaさんの演奏は強く心に残りました。

フィナーレ

初めて参加したイベントでしたが、服部緑地野外音楽堂にて、ポプラ（かな？）の綿毛が舞う五月晴れの中、楽しい音楽に浸れて清々しい気持ちになれました。素晴らしいイベントを主催された長谷川光さんに深く感謝いたします。

このイベントは来年も続くとのこと。さらに「濃ゆく」パワーアップされた次回の開催を、今から楽しみにしています！

挨拶代わりのこの写真は、私が青春時代を過ごした香川県高松市から眺めた「屋島」です。いつ見ても特徴的な形をした山で、今でも高松を訪れるたびに、つい見とれてしまいます。

【Substackを立ち上げた理由】

気がつけば世の中にはたくさんのSNSができ、私もそれぞれの場所で思い思いの更新を続けてきました。

しかし、あちこちに散らばった点のような発信を一度キュレーションして「まとめて読める場所」を作りたい。そう思い立ち、このSubstackを立ち上げました。

実はアカウントを作ったのは3年も前のこと。当時は日本語のニュースレター自体がまだ珍しかったのですが、2026年に入って周囲で一気にSubstackの熱が高まってきたのを感じ、「よし、今こそ始めよう」と機運が高まりました。

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